Manual of Landscape
- chapter 1.
작가는 정기적인 촬영 계획에 따라, 일주일의 절반은 현장에서의 촬영하며, 나머지 절반은 이미지 편집과 자료 조사에 몰두해왔습니다. 유럽의 하이엔드 광학 장비 브랜드에서 앰버서더이자 마스터 포토그래퍼로 활동한 경력을 바탕으로, 풀프레임 미디엄 포맷 기반의 테크니컬 카메라 시스템과 정밀한 촬영 기법을 총동원해 모든 작업에 임합니다. 이러한 방식은 작업으로서의 사진이 단순한 기록을 넘어, 이론적 탐구와 기술적 정교함이 결합된 시각적 담론임을 보여줍니다. 수년간 고도화된 사진술을 연마해왔으며 특히 테크니컬 카메라 운용에 있어 정밀한 광학적 제어와 왜곡 억제를 통해 현실을 가장 충실하게 재현하는 방식을 개발해왔습니다. 수많은 카메라와 렌즈를 시험하며, 자신의 시선과 가장 근접하게 호응하는 최적의 장비 구성을 찾아낸 결과물은 단순한 이미지 이상의 것을 품고있습니다. 장비 운용은 단순한 기계 조작을 넘어, 현실에 대한 인식과 해석의 통로로 기능할수있습니다. 카메라와 렌즈는 그의 시선을 현실에 정밀하게 투사하기 위한 도구이자, 감각과 인식의 확장 기제로 작용한다. 이는 사진이 주관적 진실을 담는 하나의 시각적 언어가 될 수 있음을 보여주며, 장비의 선택부터 이미지 구성과 편집에 이르기까지, 모든 단계에서 작가의 미학적 태도와 철학적 사유가 일관되게 드러납니다. 모든 이미지는 입체적 파노라마를 기본 단위로 구성되며 Stitching, Stacking, Tilt & Shift, Infrared, UV, Long Exposure 등 다양한 첨단광학 장비와 고전 기법을 조합하여 하나의 통합된 장면을 만들어냅니다. 특히 광학적 왜곡을 최소화하기 위해 절대수평의 스티칭 방식을 채택하며, 이는 다양한 화각의 이미지들을 정밀하게 결합해 하나의 확장된 공간을 재현하는 과정입니다. 그 결과, 장면은 디지털적 조작이 아닌 물리적 현실의 다층적 기록으로 기능하게 되며 포커스 스태킹 (Focus-Stacking)기법 또한 적극적으로 활용되어 장면 속 모든 요소에 균일한 초점을 부여하며, 원근감이 배제된 일종의 ‘평면적 깊이’를 구현합니다. 이러한 무한초점 이미지는 비현실적이면서도 오히려 본질적인 현실성을 드러내 현실이 아닌 비현실을 비현실이 아닌 현실을보여주며 단일 이미지로 구성된 장면이면서도, 이는 좌표 체계에 따라 구축된 하나의 행렬적 구조로 기능하며, 복합적이고도 체계적인 기록물로 완성됩니다.
이 시리즈의 모든 작업은 작가가 귀국후 10년 이상에 걸쳐 한국의 해안선, 국립공원, 국가지질공원 등 숭고한 자연속에 머무르고 기다리며 자연의 드라마틱한 지형을 직접 답사하며 축적해온 결과물이며 서사의 맥락에 적합한 풍경을 만나기까지 오랜 기다림과 반복된 방문을 마다하지 않고 있습니다. 자연을 단순히 아름다운 장면으로 소비하지 않고, 하나의 살아 있는 구조체로 마주하며, 그 변화의 리듬을 수행자처럼 고요하게 수집한 『Manual of Landscape』 시리즈는 한국의 해안선, 국립공원, 국가지질공원 등 대한민국 자연의 극적인 지형을 아우르며 기록한 작업입니다. 산, 계곡, 강가, 바닷가를 따라 수행하듯 여행하며 기다림의 연속으로 포착된 이미지들은 인간의 시선과 시간의 흐름을 통해 풍경을 해석하며 이 시리즈는 다음과 같은 주제적 층위를 통해 구성됩니다.
1. At That Time
앙리 베르그송(Henri Bergson)의 ‘지속(durée)’ 개념처럼, 풍경 속에 중첩된 시간성을 드러내며 이는 단순한 역사적 흔적의 기록이 아니라, 공간에 스며든 시간의 감각을 직조하는 작업입니다. 작가는 사진 매체가 지닌 정지된 순간의 특성을 역으로 활용하여, 단일 프레임 안에 과거와 현재가 공존하는 상태를 구현한 결과 이미지는 단일한 '현재'로 환원되지 않으며, 관람자는 풍경에 퇴적된 시간의 층위를 감각하게 됩니다. 사진은 시간의 흐름을 고정시킨 듯하면서도 동시에 흘러가게 하며, 한 장의 이미지가 시간의 건축물로 탈바꿈하는 순간을 만들어냅니다. 사진의 기록성,시간성, 장소성에대한 작가의 오랜시간의 성철과 수행의 작업과정을 통해 풍경에대한 시각과 개념의 틀을 깨어나가는 시작입니다.
2. The Eyes
마르틴 하이데거(Martin Heidegger)의 ‘세계-내-존재(Dasein)’ 개념에 기반하여, 풍경을 바라보는 인간의 시선이 어떻게 존재를 사유하게 되는지를 탐색하며 작가는 초고해상도 파노라마 기법을 통해 식물의 생장 방향, 암석의 결, 구름의 잔류 흔적 등 인간의 육안으로는 감지할 수 없는 미세한 요소들을 시각화합니다. 이는 감각의 한계를 확장하고 재조정하는 작업으로써 자연은 더 이상 단순한 관찰의 대상이 아닌, 관람자를 응시하는 주체로 전환된며 관람자는 이미지 속에서 '보는 자'의 위치를 상실하고, 오히려 '보여지는 자'로서의 존재를 체험하게 됩니다. 이는 사진학적으로 관찰자의 시점을 탈중심화하며, 풍경이 존재론적 관계 속에서 형성된다는 점에서 중요한 함의를 가질것입니다. 해부학적으로 인간의 눈을 재해석한 기계를 통해 현실의 상을 표현함에도 사진기, 렌즈등의 광학적 오차, 오류에대해 깊은 고찰과 성찰의 시기를 거쳤습니다, 또한 광학적 오류, 시각적 오차를 최소화하는 시각의 문법을 만들어가는 작가의 경험들입니다.
3. Half & Half
우리가 흔히 이분법적으로 구분하는 세계, 즉 자연과 도시, 빛과 어둠, 물질적인 것과 비물질적인 것 사이의 경계와 그 연결 가능성을 탐구하는 작업입니다. 이 시리즈의 핵심 질문은 이러한 상반된 요소들이 어떻게 단절되지 않고 서로에게 '접속 가능한 흐름'을 이룰 수 있는가에 있습니다. 이는 철학자 질 들뢰즈와 펠릭스 가타리가 제시한 ‘접속 가능한 흐름’의 개념처럼, 세계를 고정된 실체들의 집합이 아닌 끊임없이 변화하고 연결되는 '흐름'으로 이해하려는 시도와 맞닿아 있습니다. 『Half & Halfs』는 이러한 상반된 요소들이 사진 프레임 안에서 하나의 시각적 서사로 수렴되는 과정을 물리적으로 구현하고 탐색합니다. 풍경의 좌우 또는 위아래에 공존하는 대비는 단순한 구도를 넘어, 대립하는 두 세계가 만들어내는 물리적이면서도 철학적인 긴장감을 드러내는 동시에, 그 속에서 화해와 공존의 가능성을 제안합니다. 사진적 기법 면에서 작가는 틸트 및 시프트 렌즈를 적극적으로 활용합니다. 이 렌즈는 원근감을 조절하고 초점면을 이동시켜 공간의 수평성과 대칭성을 강조하는 데 효과적입니다. 『Half & Halfs』에서는 이 렌즈를 통해 두 개의 이질적인 풍경이나 요소가 마치 한 평면 위에 놓인 것처럼 보이게 하거나, 의도된 분할선을 만들어 대비를 극명하게 보여주면서도 하나의 이미지로 결합시키는 방식으로 사용됩니다. 이는 상반된 요소 간의 조화와 연결 가능성을 시각적으로 구현하는 중요한 물리적 장치입니다.이 작업은 또한 세계를 분석하고 이해하는 방법론으로서 수학적 사고체계를 도입합니다. 자연의 질서와 구조, 도시의 패턴 등을 수학적인 관점에서 바라보며 분석하는 과정을 통해 풍경의 본질에 다가가려 합니다. 나아가, 『Half & Halfs』는 이분법적 사고방식과 디지털 시대의 근간인 이진수(0과 1) 개념을 시각화하려는 노력으로 이어집니다. 이는 세계를 두 개의 항으로 나누어 인식하는 방식 자체를 성찰하고, 그 단순한 분할 안에 담긴 의미와 한계를 탐색하는 시도입니다. 특히, 작가는 전통적인 사진 프레임 비율에 대한 근본적인 질문을 던집니다. 일반적으로 사용되는 3:2 또는 4:3 등의 비율이 필름 시대부터 기인한, 제조사의 설계 편의에 따라 지정된 '근거 없는' 관습임을 지적하며 이를 거부합니다. 대신 풍경의 본질과 자신의 작업 의도에 맞는 새로운 프레임 비율을 창조합니다. 이는 원시 도형인 정사각형(1:1 비율) 프레임을 근간으로 삼아, 이를 확장하거나 배수 형태로 결합한 파노라마 비율입니다. 가장 기본적인 형태에서 시작하여 점진적으로 확장되는 이 프레임은, 세계를 바라보는 자신만의 고유한 관점과 해석 방식을 시각적으로 표현하는 도구이자, 이분법 너머의 연결과 확장을 담아내려는 시도로 볼 수 있습니다. 더 나아가, 작가는 이진수로 인한 오류의 역사를 수집하고 이를 자신의 사진 문법에 대입하는 독특한 시도를 합니다. 완벽해 보이는 디지털 시스템이나 이분법적 사고 체계 속에서 발생하는 '오류'나 '글리치'는 예기치 않은 연결이나 시스템의 한계를 보여주는 지점입니다. 작가는 이러한 오류의 개념을 사진 이미지 속에 반영함으로써, 세계의 분할이나 연결이 항상 완벽하거나 예측 가능한 것이 아니며, 그 안에 내재된 불안정성이나 변칙성 또한 실재의 일부임을 드러내고자 합니다.
결론적으로 『Half & Halfs』 시리즈는 단순히 대비적인 풍경을 나란히 보여주는 것을 넘어, 물리적 기법, 철학적 사유, 수학적 분석, 그리고 프레임과 비율에 대한 근본적인 탐구를 통해 이원론적 세계의 경계가 고정된 것이 아니라 유동적이며, 흐름이 분절되지 않고, 상반된 세계들이 언제든 서로에게 접속 가능함을 시각적으로 증명하려는 시도입니다. 이러한 가능성은 궁극적으로 왜곡을 최대한 억제한 '관찰자의 수행적 인식', 즉 사진을 바라보는 이가 스스로 세계를 어떻게 인식하고 연결하려 노력하는가에 따라 완성되는 것입니다.
4. Void
결핍으로서의 공간이 아니라, 존재의 가능성이 생성되는 장으로서의 ‘공백’을 사유합니다. 이는 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard)의 ‘공간의 시학’과 맞닿으며, 비어 있음이 감성적 충만을 낳는 계기로 재해석되며 물리학적으로는 진공 상태에서도 에너지와 입자가 생성된다는 양자역학의 개념과 유사할수있습니다. 허공, 안개, 수면, 그림자와 같은 비물질적 요소들을 강조함으로써, 형상이 소거된 공간에서 관람자가 감각과 존재의 근본 조건을 다시 사유하게 만들며 이러한 무의 공간은 인간과 세계, 신성 사이의 관계를 새롭게 구성하는 영적 사유의 장으로 작동하여, 선종의 ‘공(空)’, 도교의 ‘무위(無爲)’, 기독교 신비주의에서의 ‘신의 부재로 인한 내적 침묵’과 같은 종교적 사유와도 깊이 연결될것입니다.
수학적 개념을 출발점으로 삼아, 자연현상과 공간의 상태를 해석하는 시선을 제시한다. 작가는 수렴과 발산이라는 이중 작용을 통해 자연의 역학과 구조를 시각화하고, 그 흐름 속에 내재한 원리들을 수행하듯 탐색합니다. 이는 고전물리학에서 이론물리학에 이르기까지 전반적인 물리학 사유 체계와 연결되며, 복잡계나 카오스 이론처럼 예측 불가능한 체계 속의 질서를 드러내며 지형의 융기와 침강, 물의 집합과 분산, 기류의 교차와 확산 등은 모두 수렴과 발산의 구조로 해석하고있습니다. 이 시리즈는 공간을 하나의 동적 장(field)으로 보고, 그 안에서 발생하는 물리적 상호작용과 에너지 흐름을 포착하려는 시도로서 이러한 관점은 인식론적 지평을 넓히며, 인간이 자연을 이해하는 방식에 철학적 물음을 갖게합니다. 수렴은 질서를 지향하고, 발산은 가능성을 열어 사진으로 그 두 흐름이 교차하는 찰나를 포착함으로써, 자연이라는 복잡한 시스템 안에 내재한 보편적 리듬을 드러낼것입니다.
Convergence & Divergence는 동시에 인간의 인식 구조가 자연의 흐름을 어떻게 구성하고 해석하는지를 분석하려는 시도입니다. 이는 케빈 린치(Kevin Lynch)의 인지적 지도 개념과 연결되며, 지형적 모티프의 반복과 변주는 질서와 우연의 교차점으로 기능할수있습니다. 지형의 결, 물길의 흐름, 능선의 패턴 등을 수행하듯 탐색하며 자연의 방향성과 순환의 원리를 시각화하여 루이스 칸(Louis Kahn)의 공간 설계 방식처럼, 공간의 순환성과 방향성 개념을 함축하며, 풍경이 단지 정지된 배경이 아니라 시간과 운동의 연쇄를 담은 구조임을 강조하고있습니다.
6. Balance
자연의 구조적 안정성과 미학적 조화를 탐색한 작업입니다. 산의 능선, 해안선의 반복, 나무와 바위의 균형에서 수학적 구조와 심미적 감각이 동시에 드러나는 장면들을 포착하는 과정은 르 코르뷔지에(Le Corbusier)의 모듈러개념, 황금비례나 안도 타다오(Tadao Ando)의 정제된 공간구성 설계론처럼, 질서와 조화를 내포한 구도를 형성하며 구도 속에서 관람자는 자연 속 수학적·심미적 법칙을 감지하고, 그 질서를 수행적으로 사유하게 될것입니다. 프랙탈 구조나 자기유사성과 연결되며, 시각적 반복은 미학적 안정을 유도하여 이러한 균형 감각은 불교의 중도, 유교의 중용, 도교의 음양 조화처럼 다양한 종교 사유와도 맥락을 공유하며, 단순한 형식적 안정이 아닌 내적 평형과 영적 공명을 유도할수있습니다.
7. Beyond
인간의 감각 너머, 사진 매체의 한계를 초월하는 ‘풍경 이후의 풍경’을 가리키며 브라이언 그린(Brian Greene)이 말한 ‘다중 우주(multiverse)’ 혹은 ‘숨겨진 현실(hidden reality)’의 관점을 은유적으로 반영하며, 사진이 재현의 도구를 넘어 인식과 생성의 매개임을 제안하고 있습니다. 감각이 닿지 않는 영역, 시선이 미치지 않는 차원, 존재조차 확신할 수 없는 시간대를 프레임 안에 포섭하고자 하며 여기서 풍경은 실제 공간이 아니라, 감각·기억·시간이 중첩된 다층적 실재로 존재합니다. 이는 결정적 순간을 포착하는 고전적 개념을 넘어, 비결정적이고 무한한 시공간의 층위를 제안하는 사진학적 시도이며, 『Beyond』는 초월(Transcendence)을 수행적 사유의 방식으로 제시하며, 이는 플라톤(Plato)의 이데아론이나 기독교 신비주의의 '보이지 않는 실재' 개념과 맞닿고 더불어 신플라톤주의나 불교의 해탈 개념처럼, 감각의 지평 너머에 존재하는 절대적 실재에 대한 철학적·영적 탐색으로도 해석될 수 있겠습니다.
이처럼 Manual of Landscape 시리즈는 철학, 미학, 건축, 도시학, 물리학, 종교 사상 등 다양한 이론적 층위를 통섭하며, 자연과 인간, 풍경과 인식의 관계를 새로운 작가만의 종합적인 시선으로 재구성하며 연작의사진작업은 기술과 사유, 수행과 감각이 교차하는 지점에서, 풍경을 넘어선 또 하나의 세계와 작가만의 가설을 제시합니다.
Manual of Landscape
- Chapter 1
The artist adheres to a rigorous photographic schedule, dedicating half of each week to fieldwork and shooting on location, and the other half to image editing and research. Drawing upon his experience as an ambassador and master photographer for a prestigious European high-end optical equipment brand, he approaches every undertaking with a comprehensive deployment of a full-frame medium format based technical camera system and precise shooting methodologies. This approach underscores that his photographic practice transcends mere documentation, representing a visual discourse that synthesises theoretical inquiry with technical exactitude. For years, he has honed a highly advanced photographic technique, particularly in the operation of technical cameras, developing a method that faithfully reconstructs reality through precise optical control and distortion suppression. The outcome of countless camera and lens trials, meticulously seeking the optimal equipment configuration that resonates most closely with his vision, embodies something beyond a simple image. The operation of equipment, for him, is not mere mechanical handling but functions as a conduit for perceiving and interpreting reality. The camera and lens serve as tools for projecting his gaze onto reality with precision, acting simultaneously as mechanisms for extending sensation and perception. This demonstrates how photography can become a visual language capable of conveying subjective truth, and from the selection of equipment to the composition and editing of images, his aesthetic stance and philosophical contemplation are consistently revealed at every stage.
All images are fundamentally constructed as three-dimensional panoramas, employing a combination of various advanced optical equipment and classical techniques such as Stitching, Stacking, Tilt & Shift, Infrared, UV, and Long Exposure to forge a unified scene. Notably, a method of absolute horizontal stitching is adopted to minimise optical distortion, a process that involves meticulously combining images of diverse focal lengths to reconstruct an expanded space. Consequently, the scene functions as a multi-layered record of physical reality, rather than a digital manipulation. Furthermore, Focus-Stacking is actively utilised to confer uniform focus upon all elements within the scene, thereby realising a form of 'planar depth' that eschews perspective. These hyper-focused images, while seemingly unreal, paradoxically reveal a more essential reality, presenting not unreality as reality, but reality as unreality. Although composed as a single image, the scene functions as a matrixial structure built upon a coordinate system, culminating in a complex and systematic record.
All works within this series are the culmination of the artist's dedication since his return to Korea over a decade ago, having immersed himself in and patiently observed the sublime natural landscapes of Korea's coastlines, national parks, and national geological parks, directly exploring their dramatic topographies. He embraces long periods of waiting and repeated visits to encounter landscapes that align with the narrative context he seeks. The 『Manual of Landscape』 series is a body of work that records the dramatic terrain of Korea's nature, encompassing coastlines, national parks, and national geological parks, not consuming nature as merely beautiful scenery but confronting it as a living structure, quietly collecting the rhythm of its changes like an ascetic. The images, captured through a continuum of waiting during his contemplative journeys along mountains, valleys, riversides, and coastlines, interpret the landscape through the lens of human perspective and the flow of time. This series is structured through the following thematic layers:
1. At That Time, unveils the temporality layered within the landscape, akin to Henri Bergson's concept of 'durée'. This is not merely a record of historical traces but an endeavour to weave the sensation of time imbued within space. The artist paradoxically leverages the characteristic of photography as a frozen moment to realise a state where past and present coexist within a single frame. As a result, the image is not reducible to a singular 'present', and the viewer senses the layers of time deposited within the landscape. Photography, while seemingly fixing the flow of time, simultaneously allows it to stream forth, creating a moment where a single image transforms into an edifice of time. This marks the beginning of breaking free from conventional frameworks of perceiving and conceptualising landscape through the artist's prolonged introspection and ascetic process concerning photography's capacity for documentation, temporality, and spatiality.
2. The Eyes, grounded in Martin Heidegger's concept of 'Dasein' (being-in-the-world), explores how the human gaze directed upon the landscape leads to a contemplation of existence. Through ultra-high-resolution panoramic techniques, the artist visualises minute elements imperceptible to the naked eye, such as the growth direction of plants, the grain of rocks, and the lingering traces of clouds. This work expands and recalibrates the limits of perception, transforming nature from a mere object of observation into a subject that gazes back at the viewer. Within the image, the viewer loses the position of the 'beholder' and instead experiences their existence as the 'beheld'. This holds significant implications in de-centring the observer's perspective photographically and in suggesting that landscape is formed within an ontological relationship. Despite representing the image of reality through a machine that reinterprets the human eye anatomically, the artist has undergone a period of deep contemplation and reflection on the optical errors and aberrations inherent in cameras and lenses. Furthermore, these are the artist's experiences in forging a visual grammar that minimises optical errors and visual discrepancies.
3. Half & Half is a work that explores the boundaries and possibilities of connection between worlds we commonly divide into dichotomies: nature and city, light and darkness, the material and the immaterial. The central question of this series is how these opposing elements can form a 'connectable flow' without being severed from one another. This aligns with the attempt to understand the world not as a collection of fixed entities but as constantly changing and connecting 'flows,' much like the concept of 'assemblage' or 'connected flows' proposed by philosophers Gilles Deleuze and Félix Guattari. 『Half & Halfs』 physically embodies and explores the process by which these contrasting elements converge into a single visual narrative within the photographic frame. The coexistence of contrast/opposition on the left and right or top and bottom of the landscape transcends simple composition, revealing a physical yet philosophical tension created by the two opposing worlds, while simultaneously proposing the possibility of reconciliation and coexistence within them.
In terms of photographic technique, the artist actively utilises tilt and shift lenses. These lenses are effective in adjusting perspective and shifting the plane of focus, thereby emphasising the horizontality and symmetry of space. In 『Half & Halfs』, these lenses are used to make two disparate landscapes or elements appear as if placed on a single plane, or to create intentional dividing lines that starkly highlight the contrast while combining them into a single image. This is a crucial physical device for visually embodying the harmony and potential for connection between opposing elements. This work also introduces a mathematical way of thinking as a methodology for analysing and understanding the world. He seeks to approach the essence of landscape through the process of observing and analysing the order and structure of nature, and the patterns of the city, from a mathematical perspective.
Furthermore, 『Half & Halfs』 extends to an effort to visualise dichotomous thinking and the concept of binary code (0s and 1s) that forms the basis of the digital age. This is an attempt to reflect upon the very manner in which we perceive the world by dividing it into two terms, and to explore the meaning and limitations contained within such a simple division. In particular, the artist poses fundamental questions about traditional photographic frame ratios. He points out that commonly used ratios such as 3:2 or 4:3 are 'groundless' conventions originating from the film era and determined by the convenience of manufacturers' designs, and he rejects them. Instead, he creates new frame ratios suited to the essence of the landscape and his artistic intention. This involves panoramic ratios based on the primitive shape of the square (1:1 ratio), expanded or combined in multiples. This frame, starting from the most basic form and gradually expanding, can be seen as a tool for visually expressing his unique perspective and interpretation of the world, and an attempt to capture connections and expansions beyond dichotomy.
Moreover, the artist makes a unique attempt to collect the history of errors caused by binary code and apply it to his photographic grammar. 'Errors' or 'glitches' that occur within seemingly perfect digital systems or dichotomous thought processes are points that reveal unexpected connections or the limitations of the system. By reflecting the concept of such errors within the photographic image, the artist seeks to reveal that the division or connection of the world is not always perfect or predictable, and that the instability or anomaly inherent within it is also a part of reality.
In conclusion, the 『Half & Halfs』 series, far from merely presenting contrasting landscapes side by side, is an attempt to visually demonstrate through physical techniques, philosophical contemplation, mathematical analysis, and a fundamental inquiry into frames and ratios, that the boundaries of a dualistic world are not fixed but fluid, that flows are not segmented, and that opposing worlds are always potentially connectable to each other. This potential is ultimately completed by 'the observer's performative perception' that maximally suppresses distortion, meaning how the viewer looking at the photograph perceives and endeavours to connect the world for themselves.
4. Void contemplates 'emptiness' not as a lack of space but as a place where the possibility of existence is generated. This resonates with Gaston Bachelard's 'poetics of space,' where emptiness is reinterpreted as a catalyst for emotional fulfilment, and can be likened to the concept in quantum mechanics where energy and particles are created even in a vacuum state. By emphasising immaterial elements such as void, mist, water surfaces, and shadows, the artist leads the viewer to re-contemplate the fundamental conditions of sensation and existence in spaces where form has been erased. This space of nothingness functions as a field for spiritual contemplation that reconstitutes the relationship between humans, the world, and the divine, and will be deeply connected with religious thought such as the 'Śūnyatā' (emptiness) of Zen Buddhism, the 'Wu wei' (non-action) of Taoism, and the 'inner silence due to the absence of God' in Christian mysticism.
5. Convergence & Divergence takes mathematical concepts as its starting point, presenting a perspective that interprets natural phenomena and the state of space. The artist visualises the dynamics and structure of nature through the dual actions of convergence and divergence, contemplatively exploring the principles inherent within these flows. This connects with the overall framework of physical thought, from classical physics to theoretical physics, revealing order within unpredictable systems like complex systems or chaos theory. The uplift and subsidence of terrain, the gathering and dispersion of water, the intersection and diffusion of air currents are all interpreted through the structure of convergence and divergence. This series is an attempt to view space as a dynamic field and to capture the physical interactions and energy flows that occur within it. This perspective broadens the epistemological horizon and prompts philosophical questions about the way humans understand nature. Convergence tends towards order, while divergence opens up possibilities. By capturing the fleeting moment where these two flows intersect photographically, the artist will reveal the universal rhythm inherent within the complex system of nature.
『Convergence & Divergence』 simultaneously attempts to analyse how the human cognitive structure constitutes and interprets the flow of nature. This connects with Kevin Lynch's concept of cognitive maps, where the repetition and variation of topographical motifs can function as an intersection point of order and chance. By contemplatively exploring the grain of the terrain, the flow of watercourses, and the patterns of ridges, the artist visualises the directionality and principles of circulation in nature. This work implicitly contains concepts of spatial circulation and directionality, similar to Louis Kahn's architectural design approach, emphasising that landscape is not merely a static backdrop but a structure that holds a series of time and movement.
6. Balance is a work that explores the structural stability and aesthetic harmony of nature. The process of capturing scenes where mathematical structure and aesthetic sensibility are simultaneously revealed in the ridges of mountains, the repetition of coastlines, and the balance of trees and rocks, forms compositions that embody order and harmony, akin to Le Corbusier's concept of the Modulor, the Golden Ratio, or Tadao Ando's refined spatial design principles. Within these compositions, the viewer will perceive the mathematical and aesthetic laws within nature and contemplatively reflect upon that order. This connects with fractal structures and self-similarity, where visual repetition induces aesthetic stability. This sense of balance shares context with various religious philosophies such as the Middle Way of Buddhism, the Doctrine of the Mean of Confucianism, and the Yin-Yang harmony of Taoism, potentially inducing not merely formal stability but inner equilibrium and spiritual resonance.
7. Beyond refers to a 'landscape beyond landscape' that transcends human sensation and the limitations of the photographic medium. It metaphorically reflects Brian Greene's concept of the 'multiverse' or 'hidden reality,' suggesting that photography is not merely a tool of representation but a medium of perception and creation. It seeks to encompass within the frame realms beyond the reach of sensation, dimensions inaccessible to the gaze, and temporalities whose existence cannot even be certain. Here, landscape exists not as actual space but as a multi-layered reality where sensation, memory, and time are superimposed. This is a photographic attempt that goes beyond the classical concept of capturing a decisive moment, proposing indeterminate and infinite layers of space-time.
『Beyond』 presents transcendence as a mode of contemplative thought, aligning with Plato's theory of Forms or the concept of 'invisible reality' in Christian mysticism. Furthermore, it can be interpreted as a philosophical and spiritual exploration of an absolute reality existing beyond the horizon of sensation, similar to Neoplatonism or the Buddhist concept of liberation.
Thus, the Manual of Landscape series integrates various theoretical layers including philosophy, aesthetics, architecture, urban studies, physics, and religious thought, reconstructing the relationship between nature, humanity, landscape, and perception through the artist's unique comprehensive perspective. The series of photographic works, at the intersection of technology and contemplation, asceticism and sensation, proposes another world beyond landscape and a hypothesis unique to the artist.